Am Stand F01 stehen zwei bedeutende Positionen im Fokus: Leunora Salihu und Paco Knöller, beide Absolventen der Kunstakademie Düsseldorf. Sie eint ein analytischer Zugang zur Wirklichkeit, den sie in eine jeweils eigenständige Bildsprache überführen. Die Präsentation zeigt zwei neue skulpturale Arbeiten von Salihu sowie aktuelle Ölkreidebilder auf Holz von Knöller.

Paco Knöller, geboren 1950 in Obermarchtal, ist ein deutscher Maler und Zeichner. Als Schüler von Joseph Beuys in den frühen 1970er-Jahren an der Kunstakademie Düsseldorf entwickelte Knöller eine Arbeitsweise, die das Wechselspiel von Malerei und Zeichnung erforscht. Sein Werk bewegt sich im Spannungsfeld von Linearität und Bildraum. Dabei entsteht eine fragile Balance zwischen „zarten, tastenden und sich langsam entwickelnden Linien“ und „kräftigen Farbfeldern“, die „energetisch aufgeladene Bilder“ schaffen und „die beiden unterschiedlichen malerischen Verfahren ephemer vereinen und auflösen“.

Knöllers Arbeiten erkunden das Zusammenspiel von Bewegung, Wahrnehmung und Materialität. Mit Ölkreide und Lack auf Holz entstehen Kompositionen, die zwischen Zeichnung und Malerei changieren. Seine Linien wirken „wie elektrische Ströme aufgeladen“, erzeugen Bewegung und erinnern an Blitze, Äste oder Flusssysteme aus der Vogelperspektive. Auch die Farbeinsätze sind vielschichtig: Leuchtende Töne brechen durch dunklere Oberflächen und schaffen ein subtiles Spiel aus Licht und Tiefe.

Sein Schaffensprozess basiert auf Addition und Subtraktion: Farbschichten werden aufgebaut und durch Einschnitte wieder freigelegt. Dadurch verschwimmt die Grenze zwischen Oberfläche und Tiefe, zwischen dem Gezeichneten und dem, was darunter verborgen liegt. „Seine Technik verwischt die Unterscheidung zwischen dem, was auf der Oberfläche gezeichnet ist, und dem, was aus der Tiefe freigelegt wird, und verstärkt so das Gefühl von Fluidität.“

Der Zufall spielt ebenfalls eine Rolle: Kleine Spuren, Fingerabdrücke und physische Markierungen machen den Entstehungsprozess sichtbar. Die Werke stehen „im Wechselspiel von Kontrolle und Spontaneität“ und erinnern an poetische Strukturen, in denen „plötzliche Brüche und Formverschiebungen die Wahrnehmung des Betrachters aktivieren“.

Am Stand G03 im Sektor Solo & Projects wird Julian Irlingers Animationsfilm „Ludwig“ präsentiert – eine handgemalte Arbeit, die Kunst, Wirtschaftsgeschichte und kulturelle Narrative verknüpft.

Der Film zeigt eine schwebende Figur auf dem Grund eines Gewässers, „in der Pose eines letzten Canova-Versuchs“. Zwei leicht anthropomorphe Fische beobachten sie und fragen sich „lakonisch und rhythmisch“, ob es sich um eine Leiche oder einen Träumenden handelt. Die Figur ist Ludwig II. von Bayern, der als Schwanenkönig und Märchenkönig bekannt wurde.

„Desinteressiert an der Verwaltung öffentlicher Angelegenheiten und militärischer Unternehmungen, gab er sich schwärmerischen Interessen an Architektur, Musik und Kunst hin.“ Sein Nachlass, insbesondere das Schloss Neuschwanstein, wurde zum touristischen Wahrzeichen und zur Inspiration für Disneys Schloss der schlafenden Schönheit.

„In gewisser Weise haben beide Fische recht“, so der Film, denn Ludwigs Tod – „Regizid? Suizid?“ – wurde von der preußischen Staatsagenda instrumentalisiert. Seine Träume jedoch überlebten und wurden „umgedeutet für Tourismus und nationales Branding“.

Der Film stellt Ludwig II. neben Walt Disney: Beide „teilten eine Faszination für den Traum der totalen Fiktion“ und schufen Umgebungen, „die den ursprünglichen Bruch zwischen Publikum und Spektakel im griechischen Theater heilen sollten“. Disney tat dies „durch die Konstruktion von Disneyland, einer utopischen Stadt mit Eintrittsgeld“, Ludwig durch „aufwändige Bühnenbilder“ und seine Verbindung zu Richard Wagners Gesamtkunstwerk.

Beide nutzten modernste Technologien, um ihre Visionen zu realisieren. Disney „synchronisierte Ton und Bild, perfektionierte Urheberrechtsmanagement und organisierte kreative Arbeit tayloristisch“. Ludwig ließ sich von der späteren BASF einen speziellen Indigo-Ton entwickeln, „um eine Grotte mit nicht vorhandener Beleuchtungstechnik zu illuminieren“.

„Der Versuch, die Realität zu maskieren, die Welt auf einen imaginativen, unbestimmten Zeitpunkt zu fixieren, erfordert großen technologischen und finanziellen Aufwand.“

Julian Irlinger untersucht in seiner Arbeit immer wieder „die Beziehungen zwischen Kunst, Wirtschaftsgeschichte und kulturellen Makronarrativen“. In dieser Ausstellung reflektiert er über Charaktere und Hintergründe, über „die Idee der kristallinen Zeitschleife“ und „Animationscels, die universell genug sind, um Orte zu beschreiben, die wir ‘vielleicht’ besucht haben“.

„— Francesco Tenaglia“

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